顶 级 创 意 的 “ 真 面 目 ”
印客美学官方账号当代艺术中的大型装置设计，无疑成了热门的艺术议题，场地、材料、意义三者形成主要观点，作品中的内核「意义」始终未变。
一项出色的装置艺术超越视觉上的享受，调动观众多种感官，更多驱动的是观众在精神层面上的体验，去引发观众的思考。
01
美术馆的绿池塘
Life, 2021
Fondation Beyeler / Olafur Eliasson
以生命为名的装置展览，埃利亚松在瑞士贝耶勒美术馆（Fondation Beyeler）内开辟了一个绿色的池塘。
埃利亚松拆除了美术馆一侧的窗户，将室外公园的植物、动物、微风、雨水、阳光与室内的池塘连成一片生动的景观。
观众既在美术馆，也在大自然。
“在「生命」这个作品里，我努力营造一个万物共存的空间，在美术馆内外、水面上下、观者之间、周边的绿植都能共同参与到探索之中。”
展览24小时对外开放，目的是为了展示池塘的昼夜变化也是动态的：
白天是翡翠绿，晚上是荧光绿，这种效果来自水中的荧光染料（uranine）。
夜间的紫外线灯照明，让整个空间充斥着深蓝色的迷幻感。
池塘之上，可见由景观设计师冈瑟·沃格特（Günther Vogt）为展览挑选的水生植物。
大量的浮游微生物在池塘之下培育，也是展览的一部分。
Planthroposcene「植物世」是“生命”的重要议题，由 Anthropozan「人类世」衍生而来，用于讨论植物与人类之间的潜在关系。
02
给伦敦的一封情书
Chubby Hearts, 2018
Hyde Park / Anya Hundmarch
今年的2月14日，伦敦海德公园的威灵顿拱门出现了一颗胖乎乎的红色爱心气球。
这是时尚设计师 Anya Hundmarch 给伦敦的一封情书。
在疫情卷席全球之时，这颗胖胖大红心的一周回归给城市带来了爱与欢乐。
“爱少离别爱盈则损，一切来得刚刚好，爱才会留存。”
这是一份能够治愈人心的英式浪漫，爱泄气了会飞走，爱过多了也会破裂。
胖胖的大红心在2022年首次正式回归，再次成功点亮伦敦人的心情。
实际上，Chubby Hearts 项目最早启动于2018年。
人们在伦敦城各处的天际线能抬头望见，也曾在街头偶遇过这颗胖胖的大红心。
03
蔚蓝的地球
Gaia, 2018
United Kingdom / Luke Jerram
人类在地球上生活，有多少人能看过“地球”呢？
英国艺术家 Luke Jerram 选取美国NASA于1972年拍摄的超高清地球图像，以真实地球的180万分之一的比例打造出一个大型装置，并将其命名为 Gaia 「盖亚」。
人类一直在仰望月球，只有通过太空的传送才能看见这个蓝色星球。
但是，只要观众站在211米外看盖亚，就跟太空员在月球上看到的地球是一样的感觉。
“我希望更多观众看到人类赖以生存的星球非常脆弱，我们的地球是一个极其美丽和珍贵的存在，一个需要人类共同去保护的生态环境，也是人类唯一的家园。”
盖亚全年都在巡回展览，在现场的观众，亲身经历人类首次登上地球的震撼与感动。
艺术家以此唤起人类对太空的好奇心，对地球的敬畏感，对环境保护的责任感。
04
城市的空间碎片
Fractal, 2021
Suzhou / Arnaud Lapierre
经历了近两年的制作时间，著名的镜子艺术家 Arnaud Lapierre 最新在苏州完成了 FRACTAL 「碎片」，一个永久性的镜子艺术装置 。
以镜子立方体的不规则反射形成了一个马赛克状的场域，其光学效果创造了一种超现实的环境，重建人们对周围环境的感知。
不同于2014年于巴黎的圆环状装置作品RING，这次的镜子装置被设计成两个的半圆环状。
开放的设计让观众能自由地穿梭于其中，用不同的视角观察建筑物的局部。
多面镜在混淆观众的视角，观众在同一个空间，从不同的角度中看到更多切面的镜像和镂空视觉效果。
Arnaud Lapierre 的作品分布在世界各国，周边的环境与建筑物都在镜子中被彻底解构。
西班牙
法国
迪拜
05
卧看一朵干草云
French Exit, 2020
Berlin / Tadao Cern
艺术家 Tadao Cern 用干草铺就出一片云朵，“浮”于各大美术馆的屋顶，邀请观众躺在诺大的地面上，获得一段短暂的沉浸体验。
望着悬挂于上空的干草，又像是从天空向下俯瞰金黄色的麦田。
一片在泛光之中映出淡金色的干草，舒缓而柔和，却隐喻着悲伤的主题：枯萎与死亡。
这个作品名为 Fench Exit ，意为“在聚会中不辞而别的人”。
在艺术家眼中，是日渐年老，与青春挥别，也是死亡中的离别，我们或许会在某天，与世界的一切不辞而别。
06
看见光与天空
Turrell Skyspace, 2012
Guggenheim Museum / James Turrell
当代高产艺术家 James Turrell 将光引入自己的作品，结合建筑空间、投影、LED灯管、天空为素材进行色彩创作。
在 Turrell 的作品中，光被可视化转换成了颜色和形状，它成了一种可以被观察、被感知和体验的现象，打破想象与现实的边界。
“我的作品没有物体，也没有画面与重点，在这样空间里，你在看什么？你在看你自己看到的一切，最重要的是一种无须用语言传达的思考体验。”
他的永久性装置作品遍布29个国家和地区，Skyspace 最受欢迎的装置系列之一。
光与天空被引入，将古根海姆博物馆的圆形大厅变成了一个令人着迷的空间。
在一个封闭空间的天花板上打开天窗，天空被承载在一个规范的圆形，不加修饰地出现在观众的眼前，时刻都在变化。
作为观众，只能抬头仰视到天空，感受此刻的光，意识到眼前的一幕是短暂的，是随机变化的，个人感受被无限放大。
07
被堆叠的椅子建筑
Untitled, 2003
Istanbul /Doris Salcedo
在伊斯坦布尔的两栋建筑之间，将1550把旧椅子堆积成一个大型建筑装置。
哥伦比亚艺术家 Doris Salcedo 的作品《无题》将日常的家用品变成一座纪念碑。
该椅子装置所在的地方原本是希腊与犹太人的聚集区，这一把把空椅子象征着少数族裔被迫迁移的事件。
作品当中的每一张椅子都代表了一个流离失所的人。
Doris Salcedo 的作品总是建立在深切的悲痛上，传达出一种巨大的、无声的对抗力量。
她大胆突破装置雕塑的限制，以普通的材料描述失落的历史、社会、政治与经济的背景，对全球化移民的事件回应，以彻底介入的姿态引起社会关注。
08
博物馆的冰山世界
Icebergs, 2016
National Building Museum / James Corner Field Operations
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由美国建筑工作室 James Corner Field Operations 打造的冰山装置，彷佛是一个横跨博物馆大厅的冰原世界。
冰山上下贯穿漂浮于海面，也藏于海面之下，观众可以进入冰山内部，也可以在海底穿梭。
“我希望通过这个冰山装置能让人注意到全球变暖、冰山消融、海平面上升等全球问题。”
为了向公众输出保护环境的主题教育，艺术家利用以不同尺寸和材料为媒体，结合景观、几何与建筑打造出一个供观众停留、歇息、交流的公共空间，
行走或停留在博物馆内的任何地方，从各个角度观赏冰山的视觉效果都能被满足。
09
教堂门前的茧洞椅
Communication Line, 2012
St Catherine's Church / Nacho Carbonell
西班牙设计师 Nacho Carbonell 追求艺术与设计、功能和形式的结合，以富有创意的灯饰设计而知名全球。
最为人津津乐道的，是他在2012年荷兰设计周上的公共装置作品 Communication Line「交流列」。
将洞穴和座椅相结合，以金属丝、胶体和再生纸制作而成，一个带有茧状洞穴的创意作品，坐在椅子上的人可以通过茧洞交流。
在 Nacho Carbonell 看来，设计不只是用来观赏或使用，更重要的是人与人之间的互动，这款奇形怪状的椅子设计好比是一个无声的邀请。
通过这个装置作品，设计师希望能让人们更靠近彼此，有更好的交流，不管是与熟悉的人还是陌生的路人。
在保持安全社交距离的当下，再看这个互动装置，彷佛已经是一个遥远的愿望。
