既然情怀无法复制，为什么还要改编经典？

　　1983年举办的第一届春晚可以说是一场没有节目单的演出，现场设置了4台专门为观众诉求准备的电话机，李谷一老师也在现场创下了独唱九首歌的记录。

　　其中，一首叫做《乡恋》的歌，也成为了改革开放后，第一个在官方渠道输出的流行音乐舞台。那一晚，春晚现场的4台电话接收到的来电里，几乎可以说每五通，就有一个是为了点播《乡恋》打来的。

　　站在2021年的路口，再回首去看这一段乐坛往事，依然觉得无比震撼。

　　包括这周播出的《明日创作计划》中，当李谷一老师得知李天姿将要改编这首歌的时候，也送上了希望她可以把这首歌改编的“更具时代精神”的祝愿。

　　李天姿更是在听到了李谷一老师叫出自己名字时，感动到落泪。两个人的年纪相差了近半个世纪，但在那段对话中，却没有一丝时代之间的陌生和距离感。这一点在李天姿版本的《乡恋》中也展现的淋漓尽致。

　　面对这样一首歌，李天姿同样选用了第一视角的创作手法，只不过与此相对应的是一个晚辈对前辈，对经典表达的敬畏之心。第一段直接用教堂唱诗班式的和声打造出神圣感，后面衔接的是世界音乐和New age。

　　乍一看，可能会觉得有点多，但这不正是当代年轻人的表达习惯吗？一个是混搭，一个是更广阔的视野。

　　这样的对话在这期节目中还有很多，同学们通过直接和原曲原唱、词曲人、制作人等连线的方式，让这场对话不止停留在个人的理解层面，更像是带着再造时代经典的使命感去表达。

　　跨时代的对话

　　“想要问问你敢不敢，像你说过的那样爱我”

　　刘若英发行这首《为爱痴狂》的时候，刚好26岁，但实际歌曲的词曲在发行三年前就已经成型，只不过为了完美唱出歌曲中的感觉，她花了近三年半的时间才录制完成。

　　这首歌之所以在这么多年的时间里，都一直稳居KTV点播榜首，最关键的一个原因就是，它在那个人们正在慢慢打开视野的年代，为所有人具象化出了一个“勇敢去爱”的女子形象。

　　在那之前，关于女性视角的情歌，基本上要么甜美，要么脆弱，要么羞于表达。

　　大胆问出了“敢不敢”的《为爱痴狂》，可谓是当时乐坛最稀缺的女性声音之一。

　　但是当《海底》的唱作人一支榴莲拿到这首歌的时候，她觉得自己不是，也做不到像原曲中表达的那样无畏的去爱一个人。所以选择了将原曲中的那份“勇敢去爱”转化为了一份自我质问：先问一下我自己，到底敢不敢？用诗意的改编歌词表达出了这个时代的年轻人与原曲时代爱情观的差异。

　　刘若英在她的时代，为所有敢爱敢恨的人唱出了那份勇敢，一支榴莲的版本则为现在这个时代，拥有着不同爱情观的人发声。当把两个版本放在一起的时候，给人最直观的感觉就是，两个爱情观完全不同的闺蜜在相互交换心事。

　　包括当郑智化在节目中，对要改编《星星点灯》的7Z说：“我们要成为一个音乐人，你要写东西，它一定离不开你自身”。

　　在那个人生和事业的机会如泉涌的年代，当时的年轻人面临的是和上一辈人截然不同的选择。

　　1990年，赵传还在歌里感叹“想要飞，却怎么也飞不高”，两年后，郑智化的一句“星星点灯，照亮我的前程”，就犹如2007年，王力宏那句“你我的力量，也能改变世界”一样鼓舞着当时的年轻人。

　　到了2021年，相对于原版的直白，7Z版本的《星星点灯》则选择了说唱的形式将少年心事娓娓道来。

　　值得一提的是，在7Z的版本中，他将郑智化对他说的那句“Baby, let it go”也加在了歌曲中。那本只是一句前辈对晚辈的鼓励话语，放在歌里，则在保留住了原曲内核的同时，也表达出了这一代年轻人在越来越多的选择和诱惑面前，在这个内卷的时代，为守住内心那份坚定所需要的奋勇之力。

　　如果说梦想是每一代年轻人的共同话题，那么“爱”就绝对是每一个人的共同话题，是一个在音乐中永远不会缺席的立意。

　　“爱是没有人了解的东西，爱是永恒的旋律。”

　　这首没有任何特指对象，甚至于可以说，没有从任何人的视角，但却从所有人的视角出发来探讨爱的《爱的箴言》，绝对是一首适用于所有年代的经典金曲。

　　“你要发现说你几乎给不起的时候，你才知道什么叫爱。”

　　罗大佑在和庄主恒对话时，给到这句对爱的诠释，可以说几乎奠定了庄主恒版本的整个歌曲基调。

　　在面对这样一首几乎深一点就多了，浅一点就少了的歌曲时，庄主恒直接选择了在跨时代上再跨时代的改编思路：将时间线直接拉到了那个人类可能和AI相恋的未来。在原曲的大主题下，单拎出了一个“阿超和他的AI恋人”的故事线。

　　这场可以说是跨越了两个时代的对话，虽然歌曲唱的是未来的相爱方式，但同时，也探讨了当代年轻人的孤独，那份将电子产品作为精神寄托的共享款孤独。

　　可以说，以上说到的三首歌在改编思路上都有一个共性，那就是情感和故事线上的延伸。

　　所谓的延伸并不是直接从歌曲立意、主题这种大结构上去动，它们更像是在和原曲对话时，结合了这个时代以及自身经历，对原有的观点、行为方式提出了某些异议、新奇想法而诞生的作品。

　　简单来说，它们和原曲的关系不是“VS”或者“PK”，而是一场时代音乐与当代生活面对面的促膝长谈。

　　是经典，也是新歌

　　经典之所以是经典，无非是因为歌曲本身就已经具备了跨越时代的共鸣性，抛开上文提到的形式，改编经典还可以以结合适用于当下时代乐坛的曲风，以及更专业的设备和技术去呈现。

　　就像仁科在节目里说的那句“金曲是骨肉，二创是为它们注入灵魂”一样，可以说是对翻唱经典这件事最好的诠释之一。

　　我们接下来要说的这三个，可以说是用这一内核，将原曲中所要表达的一切都加以了最大限度的放大。

　　第一个要说的，就是李长庚的《狼》。

　　要知道直到1986年，崔健才迎来了《一无所有》的初舞台，发行于1985年齐秦的《狼》，就已经在伴奏中大量采用摇滚电声吉他，在当时的乐坛环境里，可谓是相当先锋，甚至可以说是叛逆的创作手法了。

　　“那平克·弗洛伊德式的前奏拉开了华语流行音乐一个值得骄傲的时代的序幕。”

　　李长庚则直接在这一基础上，整了个核说唱的改编。原曲中想要表达的那份青年自主意识和理想主义的萌动和挣扎，在李长庚的版本中直接进击成了一步不退的嘶吼。

　　如果说原曲中的主角还在试探和彷徨，李长庚版本里的，则已经冲在了与魔兽决斗的路上。

　　同样是放大式改编，李长庚的《狼》在往深处探，钟易轩的《蝴蝶飞呀》则选择向上扬。

　　说到《蝴蝶飞呀》，就不得不说到一个关于小虎队的冷知识：小虎队的成立时间足足比西城男孩早了十年，《蝴蝶飞呀》也比后来被称之为引领了teen pop发展的《Baby One More Time》早了十年有余。

　　左边是儿童歌曲，右边是成人情歌，哪怕是老狼的那些校园歌曲，也直到1995年才开始冒头，在那个时代里，青少年仿若短暂地被乐坛忘却了一般。小虎队就是在那样的乐坛环境下，凭借着《爱》和《蝴蝶飞呀》瞬间填补了这一块市场的空白。

　　在少年初长成的钟易轩手里，则直接在青春向上的基调里，加入了逆风飞翔的倔强。无论是从无直接到满的前奏，还是从阐述直接到燃的编曲，都成功地将原曲中那份“蝴蝶飞呀飞”的美好祝愿放大成了“蝴蝶不仅要飞，还要飞跃海洋”的决心。

　　邓紫棋在点评这首歌时，几度哽咽。毕竟，不知者的无畏很轻松很快乐，而钟易轩版本中，那份即使害怕也要咬牙向前冲的倔强，更多是一份沉甸甸的，少年进化成成年人必须具备的前提条件。

　　第三个要说的，就是蒋先贵迷幻版本的《挪威的森林》了。

　　结构上，他大胆地去掉了原曲中的副歌，还直接以0.5倍速的形式来演唱原曲的bridge部分，直接用旋律来演绎原曲副歌。这一版本听起来的确如他所愿的“危险又迷人”。

　　那话说回来，相对于原版，蒋先贵这一版又放大了什么呢？答案是，原曲唱作人，也就是伍佰老师的创作风格的多样性。

　　熟知伍佰音乐风格的人就会知道很难去给他下一个总定义，或者可以说，那就是一个叫做伍佰的风格。他自己也在采访中说过，他的作品风格变化非常大，常常向东南西北不同的方向转变。

　　面对这样的原曲背景，蒋先贵天马行空的改编无疑比求稳形式更能放大歌曲中的情绪点。也难怪仁科会觉得，很多人很容易把这首歌改成“二百五”，而他觉得蒋先贵则至少地改出了“九百八”的境界。

　　经典本就属于所有年代

　　看完整期节目后，我个人最直观的感受就是很过瘾。

　　在节目中，每个同学在选完歌曲之后，都或多或少担忧着什么，但他们对经典曲目的敬畏感，又是那么的真诚和动人，因为他们将那些担忧转换成了熬着大夜、推翻重来也要尽力完成好的决心。

　　当原曲班底和同学们连线时，每一个前辈又都对这群年轻的唱作人们说了一句“加油”，告诉他们“别怕”。

　　两代唱作人这种互相尊重、灵感碰撞的对话，我觉得是这期节目中最大的亮点之一，甚至可以说，是当下乐坛正需要的一股正能量。

　　而且从节目中，歌曲最终的改编质量以及输出效果也能看出，在这一能量的激发下，所谓的时代差异并不是一个需要大步跨越的鸿沟，而是一个需要更多这样的桥梁去衔接的精华所在。

　　好的情怀当然值得复刻，但同时，改编者也需要对原曲有一定的理解能力，以及融合自身经历的诠释能力，才有将一首经典金曲改编成一首好歌的可能。

　　无论是与原版爱情观截然不同的一支榴莲，改编的《为爱痴狂》也好，还是和原唱年龄相差了近半个世纪的李天姿，改编的《乡恋》也好；这些歌曲的2021年之《明日创作计划》版本，都可谓是达到了一个优秀改编版本的标准。

　　经典值得起时代的考验，也值得起每一个新时代的改编，因为本也只有属于所有年代的金曲，才能被称之为经典。

　　改编经典的原因千千万万，其中最重要的原因之一，就是可以通过这种跨时代的交流，直接以音乐的形式来交换两代人的记忆。在好歌得以更好地传承的同时，也建立了一座可供两代人共鸣的桥梁。

　　也许在十年后，二十年后，我们现在正在听的歌，也会成为那时候年轻唱作人争相改编的经典。当那些熟悉的旋律和歌词带着我们这代人的回忆，通过新一代音乐人传承给那时候的年轻人时，可能我们才能真正体会到经典歌曲的力量。

　　多半听到时，也会像李洛尔的妈妈在听完他改编后的《风中有朵雨做的云》时一样，红了眼眶。

　　那些爸妈歌单里的歌曲，也曾是我们儿时的童谣、长大成人时的背景音乐。真心的希望，可以多一些如这期《明日创作计划》中，为两代唱作人搭建起的桥梁，让更多的经典歌曲可以以更多的形式传承下去。

　　（完）